O Curso de Geologia de 85/90 da Universidade de Coimbra escolheu o nome de Geopedrados quando participou na Queima das Fitas.
Ficou a designação, ficaram muitas pessoas com e sobre a capa intemporal deste nome, agora com oportunidade de partilhar as suas ideias, informações e materiais sobre Geologia, Paleontologia, Mineralogia, Vulcanologia/Sismologia, Ambiente, Energia, Biologia, Astronomia, Ensino, Fotografia, Humor, Música, Cultura, Coimbra e AAC, para fins de ensino e educação.
Em 1980, a morte da sua mãe deixa-o profundamente abalado. O seu irmão George morre, de leucemia, em 1983. A sua última aparição pública foi em novembro de 1986, no Radio City Music Hall, em Nova Iorque.
Três meses depois morreria, aos 67 anos, por complicações causadas
pelo vírus da SIDA, na sua residência de Palm Springs, na Califórnia.
Os seus restos mortais jazem, juntamente com os da sua mãe e do seu
irmão, num túmulo encimado por uma bela estátua, no Cemitério Forest Lawn, em Hollywood, Los Angeles.
Poulenc aprendeu piano com a sua mãe e começou a compor com sete anos de
idade. Aos quinze anos estudou com Ricardo Vinhes, que encorajou a
sua ambição de compor e o apresentou a Satie, Casella, Auric e outros. Em 1917 a sua Rapsodie Nègre deu-lhe uma proeminência notável em Paris, como um dos compositores encorajados por Satie e Cocteau, que os designava como "Les Nouveaux Jeunes" (Os novos jovens).
Mesmo assim os seus conhecimentos técnicos eram escassos - Poulenc
nunca frequentou o Conservatório - pelo que em 1920 decidiu estudar
harmonia durante três anos com Charles Koechlin, mas nunca estudou Contraponto nem Orquestração, pelo que parte dos seus conhecimentos eram intuitivos. Em 1920 um crítico musical, Henri Collete escolheu 6 destes "Nouveaux Jeunes" e chamou-lhes "Les Six";
Poulenc fazia parte deste grupo. Deram concertos juntos, sendo um
dos seus artigos de fé que se inspiravam no «folclore parisiense»,
isto é, nos músicos de rua, nos teatros musicais, nas bandas de
circo.
A vida de Poulenc foi uma vida de constante luta interna ("meio monge, meio mau rapaz"). Tendo nascido e sido educado na religião católica,
Poulenc debatia-se com a conciliação dos seus desejos sexuais pouco
ortodoxos à luz das suas convicções religiosas. Poulenc referiu a
Chanlaire que "Sabes que sou sincero na minha fé, sem excessos de messianismo, tanto como sou sincero na minha sexualidade parisiense." Alguns autores consideram mesmo que Poulenc foi o primeiro compositor abertamente homossexual, embora o compositor tenha mantido relações sentimentais e físicas com mulheres e tenha sido pai de uma filha, Marie-Ange.
A sua primeira relação afectiva importante foi com o pintor Richard Chanlaire, a quem dedicou o seu Concert champêtre: "Mudaste a minha vida, és o sol dos meus trinta anos, uma razão para viver e trabalhar." Em 1926, Francis Poulenc conhece o barítono
Pierre Bernac, com o qual estabelece uma forte relação afectiva, e
para quem compõe um grande número de melodias. Alguns autores indicam
que esta relação tinha carácter sexual, embora a correspondência
entre os dois, já publicada, sugira fortemente que não. A partir de
1935 e até à sua morte, em 1963, acompanha Bernac ao piano em
recitais de música francesa por todo o mundo. Pierre Bernac é
considerado como "a musa" de Poulenc.
Poulenc foi profundamente afectado pela morte de alguns dos seus amigos
mais próximos. O primeiro foi a morte prematura de Raymonde
Linossier, uma jovem com quem Poulenc tinha esperanças de casar. Embora
Poulenc tivesse admitido que não tinha nenhum interesse sexual em
Linossier, eram amigos de longa data. Em 1923, Poulenc ficou chocado e
inanimado durante um par de dias depois da sua morte, aos 20 anos, na
sequência de febre tifóide, do seu amigo, o romancista Raymond Radiguet. Já em 1936, o seu grande amigo Pierre-Octave Ferroud morreu num acidente de automóvel na Hungria, na sequência do qual visitou a Virgem Negra de Rocamadour. Em 1949, a morte de outro grande amigo, o artista Christian Bérard, esteve na origem da composição do seu Stabat Mater.
O ambiente parisiense da época é fielmente representado na versão de
Poulenc de "Cocards" de Cocteau. Esta obra chamou a atenção de Stravinski que recomendou Poulenc a Sergei Diaguilev, sendo o resultado desta colaboração o ballet "Les Biches", no qual ele expressa a sofisticação frágil dos ano 20, uma compreensão verdadeira do idioma do jazz e (no adagietto) do lirismo romântico que cada vez mais influenciou a sua obra.
As suas obras mais conhecidas são talvez as canções para voz e piano,
em especial as escritas a partir de 1935, quando começou a acompanhar o
grande barítono francês Pierre Bernac. As suas versões de poemas de Apollinaire e do seu amigo Paul Eluard são particularmente boas, cobrindo uma vasta gama de emoções.
Compôs três óperas, sendo a mais conhecida "Les Dialogues des Carmélites" (1953-56), baseada em trágicos acontecimentos da Revolução Francesa, e as suas obras religiosas têm um toque de êxtase como o que apenas se encontra nas obras de Haydn. Das suas obras instrumentais, o concerto para órgão (1938) é muito original no tratamento do instrumento solista.
A sua música, eclética e ao mesmo tempo pessoal, é essencialmente diatónica
e melodiosa, embelezada com dissonâncias do século XX. Tem talento,
elegância, profundidade de sentimento e um doce-amargo que são
derivados da sua personalidade alegre e melancólica. A morte acidental
do seu grande amigo Pierre-Octave Ferroud conjugada com uma peregrinação à Virgem Negra de Rocamadour, em 1935, levaram Poulenc a regressar ao catolicismo, resultando em composições em tom mais austero e sombrio.
Em 2010, o canal de música VH1 incluiu Alicia Keys na lista dos "100 Maiores Artistas de Todos o Tempos". Em fevereiro de 2012, Keys foi colocada em 14.º na lista da VH1 100 Greatest Women in Music. Em 2013, Keys foi colocada no número 33 pela VH1 em "50 Greatest Women of the Video Era" e número 10 na lista das "100 artistas mais sensuais". Em 2016, foi incluída na lista de cem mulheres mais inspiradoras e influentes pela BBC. Em 2020 a Recording Industry Association of America classificou Alicia como a "Artista de R&B feminina com mais certificações do milénio".
Joseph-Maurice Ravel (Ciboure, 7 de março de 1875 – Paris, 28 de dezembro de 1937) foi um compositor e pianistafrancês, conhecido sobretudo pela subtileza das suas melodias instrumentais e orquestrais, entre elas, o Bolero, que ele considerava trivial e descreveu como "uma peça para orquestra sem música".
Em dezembro de 2011 começou a namorar a modeloChrissy Teigen. Eles casaram no dia 14 de setembro de 2013, em Como, Itália. A música All of me foi escrita especialmente para a esposa. O casal tem uma filha, Luna, nascida em abril de 2016, e um filho, Miles, nascido em maio de 2018, ambos concebidos em fecundações in vitro.
De 1937 a 1947, Ustvolskaya estudou na faculdade anexa ao Conservatório de Leninegrado (mais tarde rebatizado de Conservatório Rimsky-Korsakov). Subsequentemente tornou-se uma estudante de pós-graduação e passou a também lecionar composição na faculdade. O seu professor de composição, Dmitri Shostakovich, que raramente elogiava os seus alunos, disse a respeito dela: Estou convencido de que a música de G. I. Ustvolskaya obterá renome mundial.
Em diversas oportunidades, Shostakovich a defendeu da oposição de seus colegas na União dos Compositores Soviéticos.
Ele frequentemente enviava muitas de suas obras, inclusive inacabadas,
para a apreciação de Ustvolskaya, cuja opinião estimava muito. Várias
dessas peças até mesmo possuíam citações às composições de sua pupila.
Por exemplo, ele empregou o segundo tema do finale do trio para clarinete no seu quinto quarteto de cordas e na Suíte Michelangelo (Nº 9). A íntima relação espiritual e artística de ambos foi comparada àquela entre Schoenberg e Webern.
Ela foi aluna de Shostakovich de 1939 a 1947, mas reteve pouca influência do estilo de seu mestre a partir dos anos 50. Como modernista, poucas de suas obras foram executadas, até 1968 nenhuma além de peças patrióticas escritas para eventos oficiais. Até a queda da União Soviética, apenas a sua sonata para violino de 1952 foi tocada com alguma frequência, mas desde então sua música vem sendo cada vez mais apresentada no ocidente.
Ustvolskaya desenvolveu o seu estilo próprio de composição. Segundo ela, não há nenhuma ligação que seja entre minha música e aquela de qualquer outro compositor, vivo ou morto.
As suas características incluem o uso repetido de blocos homofónicos de som (facto que levou o crítico holandêsElmer Schönberger a chamá-la de a dama com o martelo); combinações não usuais de instrumentos (como os oito contrabaixos, piano e bloco de madeira percutido por martelo de sua Composição Nº 2); uso considerável de dinâmicas extremas (como em sua Sonata para piano nº 6); emprego de grupos de instrumentos para a realização de clusters e o uso do piano ou percussão para fixar ritmos constantes e imutáveis (todos seus trabalhos reconhecidos usam ou o piano ou a percussão, muitos usam ambos).
Como a música de Galina Ustvolskaya não é de vanguarda no sentido comummente aceite do termo, ela não foi abertamente censurada
na União Soviética. Porém, foi acusada de não estar disposta a
comunicar-se e de estreiteza e insistência. Foi apenas nos últimos anos
que seus críticos começaram a notar que essas supostas deficiências são na verdade suas maiores qualidades e que a tornam única. O compositor Boris Tishchenko comparou a "estreiteza" de seu estilo com a luz concentrada de um feixe de laser que se torna capaz de perfurar o metal.
As suas obras dos anos 40 e 50 muitas vezes soam como se tivessem sido escritas atualmente. Shostakovich escreveu a ela: Não é você que é influenciada por mim; muito pelo contrário, eu que sou influenciado por você. Muitas pessoas citam Ustvolskaya; ela não citava ninguém.
Todos os trabalhos de Ustvolskaya são de larga escala na intenção, não importando sua duração ou quantos instrumentistas são necessários. Sua música é fortemente baseada na tensão e densidade.
Todas as sinfonias de Ustvolskaya têm partes para voz a solo, as quatro últimas com textos religiosos;
as composições têm subtítulos igualmente religiosos. O aspeto
espiritual dessas obras pode sugerir uma semelhança com a sua
contemporânea Sofia Gubaidulina,
embora, ao contrário desta, Ustvolskaya não fosse praticante de nenhuma
religião e a sua música estivesse muito longe de professar a fé cristã. Os textos são preces convencionais ou, no caso da quinta sinfonia, o Pai Nosso.
Arthur Rubinstein (Łódź, 28 de janeiro de 1887 - Genebra, 20 de dezembro de 1982) foi um pianistapolaco
e judeu, naturalizado norte-americano, muito conhecido como um dos
melhores pianistas virtuosos do século XX. Foi aclamado
internacionalmente pelas suas performances da música de Chopin e Brahms.
Nasceu em Tomar, a 17 de dezembro de 1906, cidade sobre a qual
escreveria que é onde «o monumento completa a paisagem; a paisagem é o
quadro digno do monumento; e a luz é o elemento transfigurador e
glorificador da união quase consubstancial da Natureza com a Arte.»
Apenas com 14 anos, começou a trabalhar como pianista no Cine-Teatro de
Tomar, procedendo ele próprio aos "arranjos" dos trechos que
interpretava, tocando peças de Debussy e de compositores russos contemporâneos. Na época, competiam em Tomar as duas bandas rivais: Gualdim Pais e a Nabantina.
Em 1923, frequenta o Curso Superior do Conservatório de Lisboa, tendo como professores: Adriano Meira (Curso Superior de Piano), Tomás Borba (Composição) e Luís de Freitas Branco (Ciências Musicais); em 1927, frequenta a Classe de Virtuosidade, onde tem como professor o Mestre Vianna da Motta (antigo aluno de Liszt), considerado o maior pianista português de todos os tempos.
Em 1928, frequentaria também o curso de Ciências Históricas e Filosóficas na Faculdade de Letras de Lisboa, que viria a abandonar em 1931, em protesto contra a repressão a uma greve académica.
Entretanto, funda em Tomar o semanário republicano "A Ação".
Em 1931,
no dia em que conclui, com a mais alta classificação, as provas de
concurso para Professor de Solfejo e Piano do Conservatório Nacional, é
preso pela polícia política, encerrado no Aljube e, a seguir,
desterrado para Alpiarça.
Em 1934
concorre a uma bolsa de estudo, na área da música, para Paris. Ganha o
concurso mas a decisão do Júri é anulada por ordem da polícia política.
Em setembro de 1935 é de novo preso e enviado para o Forte de Caxias.
Em 1937 é libertado e parte para França por conta própria, aproveitando para ampliar os seus conhecimentos musicais, estudando Composição e Orquestração com Koechlin.
Em 1939 recusa a nacionalidade francesa, sendo forçado a regressar a Portugal.
Em 1940
é-lhe proposto dirigir os Serviços de Música da Emissora Nacional. Não
chega a tomar posse do cargo porque recusa assinar a declaração de
"repúdio ativo do comunismo e de todas as ideias subversivas" que,
então, era exigida a todos os funcionários públicos.
Em 1945
integra o Movimento de Unidade Democrática (MUD], do qual virá a ser
dirigente. No âmbito das atividades do MUD, Fernando Lopes-Graça cria o
Coro do Grupo Dramático Lisbonense, mais tarde Coro da Academia dos
Amadores de Música que, após a sua morte, foi renomeado Coro
Lopes-Graça da Academia de Amadores de Música, como forma de homenagem.
As Canções Regionais Portuguesas e as Canções Heroicas são cantadas pelo
Coro por todo o país. Por essa altura adere ao Partido Comunista Português.
A repressão por parte do regime fascista cresce e acentua-se: na década
de cinquenta as orquestras nacionais são proibidas de interpretar
obras de Fernando Lopes-Graça; os direitos de autor são-lhe roubados;
é-lhe anulado o diploma de professor do ensino particular; é obrigado a
abandonar a Academia dos Amadores de Música, à qual só regressa em
1972.
É autor de uma vasta obra literária incidente em reflexões sobre a música portuguesa
e a música do seu tempo, mas maior ainda é a sua obra musical, da
qual são assinaláveis os concertos para piano e orquestra, as inúmeras
obras corais de inspiração folclórica nacional, o Requiem pelas Vítimas do Fascismo (1979), o concerto para violoncelo encomendado e estreado por Rostropovich,
e a vastíssima obra para piano, nomeadamente as seis sonatas que
constituem um marco na história da música pianística portuguesa do
século XX.
Mendelssohn era filho do banqueiro Abraham Mendelssohn e de Lea Salomon, e neto do filósofo judaico-alemão Moses Mendelssohn,
membro de uma família judia notável, mais tarde convertida ao
cristianismo. Começou a compor aos nove anos (mais tarde mudou o seu
sobrenome para Mendelssohn Bartholdy).
Felix cresceu num ambiente de intensa efervescência intelectual. As
maiores mentes da Alemanha foram visitas frequentes da sua família na
casa em Berlim, incluindo a Wilhelm von Humboldt e Alexander von Humboldt. A sua irmã Rebecca casou com o grande matemático belga Lejeune Dirichlet.
Abraão renunciou à religião judaica e a família mudou-se para Berlim em
1811. Abraão e Lea tentam dar a Felix Mendelssohn, ao seu irmão Paul,
e às suas irmãs Fanny e Rebeca, a melhor educação possível. A sua
irmã Fanny Mendelssohn (mais tarde, Fanny Hensel), tornou-se uma conhecida pianista e compositora.
Mendelssohn era considerado uma criança prodígio. Começou lições de
piano com a sua mãe aos seis anos, acompanhados por Marie Bigot. A
partir de 1817, estudou composição com Carl Friedrich Zelter
em Berlim. Escreveu e publicou o seu primeiro trabalho, um quarteto
com piano, aos treze anos. Mais tarde teve aulas de piano do compositor
e virtuoso Ignaz Moscheles, confessou em seu diário que ele tinha muito a ensinar-lhe. Moscheles foi grande colega e amigo ao longo da vida.
Charles Rosen, em seu livro A Geração Romântica deprecia Mendelssohn como "kitsch religioso", essa opinião reflecte um contínuo desprezo pela estética musical por parte de Richard Wagner e seus seguidores.
(...)
Em 14 de maio de 1847, Berlim, Alemanha, a irmã Fanny de Mendelssohn morre, após um ataque de apoplexia. Os seus pais haviam morrido alguns anos antes, em 1835 e em 1842, e a morte de Fanny causou um grande impacto no compositor. Mendelssohn morreu no dia 4 de novembro de 1847, seis meses após a morte da irmã, devido a um derrame cerebral.
Uma paixão não correspondida pela soprano sueca Jenny Lind pode ter contribuído para a morte de Felix Mendelssohn. Essa é a tese levantada por uma jornalista do The Independent, Jessica Duchen. A tese tem por base um documento depositado nos arquivos da Royal Academy of Music, em Londres:
uma declaração do marido de Jenny Lind, Otto Goldschmidt, confessando
ter destruído uma carta de Mendelssohn para Jenny, que teria o poder de
macular profundamente as reputações de sua mulher e de Mendelssohn. Na
carta o compositor teria declarado amor ardente por ela, implorando que
ela fugisse com ele para os Estados Unidos e ameaçando suicídio caso ela recusasse. Supõe-se que Jenny, efetivamente, recusou. Meses depois, Mendelssohn estava morto.
Charles Rosen, em seu livro A Geração Romântica deprecia Mendelssohn como "kitsch religioso". Essa opinião reflete um contínuo desprezo pela estética musical por parte de Richard Wagner e seus seguidores.
Na Inglaterra, a reputação de Mendelssohn manteve-se elevada durante muito tempo. A Rainha Vitória demonstrou o seu entusiasmo, quando no Crystal Palace, foi colocada, em 1854, uma estátua de Mendelssohn.
Liszt ganhou fama na Europa durante o início do século XIX,
pela sua habilidade como pianista virtuoso. Foi citado por seus
contemporâneos como o pianista mais avançado de sua idade, e em 1840 ele
foi considerado por alguns como, talvez, o maior pianista de todos os
tempos. Liszt foi também um compositor bem conhecido e influente,
professor e maestro. Ele foi um benfeitor para outros compositores,
incluindo Richard Wagner, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns, Edvard Grieg e Alexander Borodin.
Como compositor, ele foi um dos representantes proeminentes da "Neudeutsche Schule"
("Nova Escola Alemã"). Deixou para trás um corpo extenso e
diversificado de trabalho em que ele influenciou seus contemporâneos
sobre o futuro e antecipou algumas ideias e tendências do século XX. Algumas de suas contribuições mais notáveis foram a invenção do poema sinfónico, desenvolvendo o conceito de transformação temática, como parte de suas experiências em forma musical
e fazer ruturas radicais em harmonia. Ele também desempenhou um papel
importante na popularização de uma grande variedade de música de transcrição para piano.
.jpg)
.jpg/800px-Dave_Brubeck_(1964).jpg)
