O Curso de Geologia de 85/90 da Universidade de Coimbra escolheu o nome de Geopedrados quando participou na Queima das Fitas.
Ficou a designação, ficaram muitas pessoas com e sobre a capa intemporal deste nome, agora com oportunidade de partilhar as suas ideias, informações e materiais sobre Geologia, Paleontologia, Mineralogia, Vulcanologia/Sismologia, Ambiente, Energia, Biologia, Astronomia, Ensino, Fotografia, Humor, Música, Cultura, Coimbra e AAC, para fins de ensino e educação.
Embora tenha sido encenada pela primeira vez pela Opéra de Paris, na Salle Le Peletier,
a 3 de agosto de 1829, a duração da obra, cerca de quatro horas de
música, bem como as suas exigências impostas ao elenco, como o registo
alto exigido para o tenor,
contribuíram para a dificuldade de produzi-la. Costuma sofrer grandes
cortes quando é encenada, e as suas apresentações já foram feitas tanto
em francês quanto em italiano.
Enrico Caruso (Nápoles, 25 de fevereiro de 1873 - Nápoles, 2 de agosto de 1921) foi um tenoritaliano, considerado, inclusive pelo ilustre Luciano Pavarotti, o maior intérprete da música erudita
de todos os tempos. Com vasto reportório, Caruso foi o primeiro cantor
clássico a atrair grandes plateias em todo o mundo e ainda hoje figura
entre os maiores intérpretes clássicos da história. A sua interpretação de Vesti la giubba, da ópera Pagliacci, foi a primeira gravação a vender 1 milhão de cópias.
Vida
Começou a carreira em 1894,
aos 21 anos de idade, na cidade natal. Recebeu as primeiras aulas de
canto de Guglielmo Vergine. Atuou, entre outras óperas, na estreia de Fedora e La Fanciulla del West, do compositor italiano Giacomo Puccini. As mais famosas interpretações foram como Canio na ópera I Pagliacci, de Leoncavallo e como Radamés, em Aida, de Giuseppe Verdi. Na metade da década de 1910 já era conhecido internacionalmente. Era constantemente contratado pela Metropolitan Opera de Nova Iorque, relação que persistiu até 1920.
Caruso foi eternizado pelo agudo mais potente já conhecido, e por
muitos considerado o melhor cantor de ópera de todos os tempos.
O compositor lírico Giacomo Puccini e o compositor de canções populares Paolo Tosti foram seus amigos e compuseram obras especialmente para ele.
Caruso apostou na nova tecnologia de gravação de som em discos de cera e fez as primeiras 20 gravações em Milão, em 1895. Em 1903, foi para Nova Iorque e, no mesmo ano, deu início a gravações fonográficas pela Victor Talking Machine Company, antecessora da RCA-Victor. Caruso foi um dos primeiros cantores a gravar discos em grande escala. A indústria fonográfica e o cantor tiveram uma estreita relação, que ajudou a promover comercialmente a ambos, nas duas primeiras décadas do século XX. As suas gravações foram recuperadas e, remasterizadas, encontraram o meio
moderno e duradouro de divulgação de sua arte no disco compacto, CD.
O repertório de Caruso incluía cerca de sessenta óperas, a
maioria delas em italiano, embora ele tenha cantado também em francês,
inglês, espanhol e latim, além do dialeto napolitano, das canções
populares de sua terra natal. Cantou perto de 500 canções, que variaram
das tradicionais italianas até as canções populares do momento.
A sua vida foi tema de um filme norte-americano, permeado de ficção, intitulado O Grande Caruso (The Great Caruso), de 1951, com o cantor lírico Mario Lanza interpretando Caruso. Devido ao seu conteúdo altamente ficcional, o filme foi proibido na Itália.
No filme Fitzcarraldo de Werner Herzog, com Klaus Kinski no papel de Fitzcarraldo, aparece, no início da projeção, uma entrada de Caruso na Ópera de Manaus, no Brasil, onde Caruso de facto nunca se apresentou.
Os últimos dias da sua vida são narrados, de forma romantizada, na canção Caruso, de Lucio Dalla (1986).
O Teatro Nacional de São Carlos (TNSC) é a principal Casa de Ópera de Lisboa, em Portugal. Foi inaugurado a 30 de julho de 1793 pela Rainha D. Maria I para substituir o Teatro Ópera do Tejo, destruído no terramoto de 1 de novembro de 1755, segundo o projeto do arquiteto José da Costa e Silva. A inauguração ocorreu com a ópera La Ballerina amante, de Domenico Cimarosa. O teatro está localizado no centro histórico de Lisboa, na zona do Chiado. No mesmo largo, em frente ao teatro, nasceu uma das mais importantes figuras da poesia portuguesa, Fernando Pessoa.
Filho do também músico e compositor Alessandro Scarlatti,
as suas maiores contribuições para a música foram as suas sonatas para
teclado num único movimento, em que empreendeu abordagens harmónicas
bastante inovadoras, apesar de ter composto também obras para orquestra
e voz. Embora tenha vivido no período que corresponde ao auge da música barroca europeia, suas composições, mais leves e homofónicas, têm estilo mais próximo daquele do início do período clássico.
Domenico Scarlatti nasceu no mesmo ano em que nasceram dois outros grandes mestres do barroco, Johann Sebastian Bach e Georg Friedrich Händel. Foi o sexto de dez filhos e o irmão mais novo de Pietro Filippo Scarlatti,
também músico. O mais provável é que tenha recebido as primeiras
lições de música com seu pai. Outros compositores que também podem ter
sido seus professores foram: Gaetano Greco, Francesco Gasparini e Bernardo Pasquini, que parecem ter influenciado seu estilo musical.
Scarlatti se tornou compositor e organista na capela real de Nápoles em 1701. Em 1704, ele fez uma revisão à ópera Irene de Carlo Francesco Pollarolo para ser apresentada em Nápoles. Pouco depois seu pai o mandou para Veneza. Não existem registos a seu respeito nos próximos quatro anos. Em 1709, ele foi a Roma a serviço da rainha polaca, então no exílio, Marie Casimire, onde ele encontrou Thomas Roseingrave que liderou em Londres uma entusiástica recepção às sonatas do compositor. Já um cravista renomado, há uma história de que numa competição com Georg Friedrich Händel, no palácio do cardeal Ottoboni, em Roma, ele talvez tenha sido julgado superior a Händel naquele instrumento, embora inferior com relação ao órgão. Mais tarde, Scarlatti ficou conhecido pela veneração com que se referia às habilidades de Händel.
Também, enquanto em Roma, Scarlatti compôs várias óperas para o teatro particular da Rainha Casimire. Ele foi maestro di cappella em São Pedro, de 1715 a 1719 e, neste último ano, foi a Londres para dirigir sua ópera Narciso no King's Theatre.
Em 1720, ou 1721, Scarlatti foi a Lisboa, onde ensinou música à princesa portuguesa Maria Magdalena Bárbara (Maria Bárbara de Bragança).
Esteve novamente em Nápoles, em 1725. Durante uma visita a Roma, em
1728, casou-se com Maria Caterina Gentili. Em 1729 mudou-se para Sevilha onde permaneceu por quatro anos. Ali veio a conhecer o flamenco. Em 1733, foi a Madrid para assumir o cargo de maestro de música da princesa Maria Bárbara, que se casara com o Príncipe Herdeiro de Espanha. D. Maria Bárbara
tornou-se rainha da Espanha e ele permaneceu no país por cerca de
vinte e cinco anos, tendo, ali, sido pai de cinco filhos. Depois da
morte de sua esposa, em 1742, desposou uma espanhola, Anastasia Maxarti
Ximenes. Durante o período que permaneceu na Espanha, Scarlatti
compôs mais de quinhentas sonatas para teclado e é por esses trabalhos que ele hoje é lembrado.
Scarlatti foi amigo do cantor castratoFarinelli, um napolitano que estava sendo patrocinado pela casa real, em Madrid. O musicólogo Ralph Kirkpatrick
reconhece que a correspondência de Scarlatti com Farinelli fornece "a
informação mais direta sobre [o compositor] que foi deixada para os
nossos dias".
Domenico Scarlatti faleceu em Madrid, com 71 anos. A sua casa na Calle Leganitos é identificada com uma placa histórica e seus descendentes ainda vivem naquela cidade.
Gershwin recebeu somente uma nomeação para um Óscar, por "They Can't
Take That Away From Me" escrita por seu irmão Ira para o filme de 1937 Shall We Dance.
No
começo de 1937, Gershwin começa a queixar-se de dores de
cabeças cegantes e a recorrente impressão de que estava a cheirar
borracha queimada. Ele tinha desenvolvido um tipo de tumor no cérebro
conhecido como glioblastoma multiforme. Em junho, apresentou-se num concerto especial com a Orquestra Sinfónica de San Francisco, sob a direção do maestro francês Pierre Monteux. Foi em Hollywood, enquanto trabalhava na partitura de The Goldwyn Follies, que teve um colapso em 11 de julho de 1937, morrendo aos 38 anos de idade no Cedars of Lebanon Hospital durante uma cirurgia para retirada do tumor. Por coincidência, poucos meses depois, em 1937, o seu ídolo Ravel também morreria de uma cirurgia ao cérebro.
Gershwin teve um caso de 10 anos de duração com a compositora Kay Swift e frequentemente consultava-a sobre as suas músicas. Oh, Kay foi nomeada em homenagem a Kay Swift. Após a morte de Gershwin, Swift organizou algumas de suas músicas,
transcreveu as suas gravações, e colaborou com Ira em vários projetos. Gershwin teve um caso também com a atriz Paulette Goddard.
Gershwin morreu sem deixar testamento, e todas suas posses foram passadas para sua mãe. Ele foi enterrado no Westchester Hills Cemetery, em Hastings-on-Hudson, Nova Iorque. Os trabalhos de Gershwin ainda trazem significantes quantias de royalties das licenças de copyrights. As licenças para tais obras expiraram no final de 2007 na União Europeia e irão expirar entre 2019 e 2027 nos Estados Unidos.
Jacques Offenbach (Colónia, Alemanha, 20 de junho de 1819 - Paris, França, 5 de outubro de 1880), foi um compositor e violoncelistafranco-prussiano. Foi um paladino da opereta e um precursor do teatro musical moderno. Ele é lembrado pelas suas quase 100 operetas das décadas de 1850 a 1870, e pela sua ópera incompleta Les contes d'Hoffmann. Offenbach teve uma grande influência em compositores do género opereta, particularmente Johann Strauss II e Arthur Sullivan.
As suas obras mais conhecidas foram continuamente tocadas durante o
século XX, e muitas das suas operetas continuam a ser encenadas no
século XXI. Les contes d'Hoffmann continuam a fazer parte do repertório de ópera padrão.
Nascido em Colónia, Reino da Prússia, filho de um cantor de sinagoga, Offenbach mostrou desde cedo talento musical. Aos 14 anos, ele foi aceite como aluno no Conservatório de Paris,
mas considerou os estudos académicos insatisfatórios e saiu passado um
ano. De 1835 a 1855, ganhou a vida como violoncelista, alcançando fama
internacional, e como maestro. A sua ambição, contudo, era compor peças
cómicas para o teatro musical. Vendo que a direção da companhia Opéra-Comique de Paris não estava interessada em encenar as suas obras, em 1855 arrendou um pequeno teatro nos Champs-Élysées. Ali, apresentou uma série das suas próprias pequenas peças, muitas das quais se tornaram populares.
Em 1858, Offenbach produziu a sua primeira opereta completa, Orphée aux enfers (Orfeu no Submundo)
que foi excepcionalmente bem recebida, e que continua a ser uma das
suas obras mais tocadas. Durante a década de 1860, ele produziu pelo
menos 18 operetas completas, bem como mais peças de um acto apenas. As
suas obras deste período incluem La belle Hélène (1864), La Vie parisienne (1866), La Grande-Duchesse de Gérolstein (1867) e La Périchole
(1868). O humor picante (muitas vezes sobre intriga sexual) e as gentis
farpas satíricas nessas peças, juntamente com a facilidade melódica de
Offenbach, tornaram-nas internacionalmente conhecidas, e versões
traduzidas fizeram sucesso em Viena, Londres e em outros lugares da Europa.
Offenbach tornou-se associado ao Segundo Império Francês de Napoleão III;
o imperador e a sua corte foram genialmente satirizados em muitas das
operetas de Offenbach. Napoleão III concedeu-lhe pessoalmente a
cidadania francesa e a Legião de Honra. Com a eclosão da Guerra Franco-Prussiana
em 1870, Offenbach viu-se em desvantagem em Paris devido às suas
ligações imperiais e ao seu nascimento alemão. No entanto, continuou a
ter sucesso em Viena e Londres. Offenbach foi viver para Paris durante a
década de 1870, onde apresentou alguns dos seus primeiros trabalhos
favoritos e uma série de novas obras, e empreendeu uma popular turnê
pelos Estados Unidos. Nos seus últimos anos, fez os possíveis por terminar Les contes d'Hoffmann,
mas morreu antes da estreia da ópera, que entrou para o repertório
padrão em versões completadas ou editadas por outros músicos.
Catalani nasceu em Lucca, na Itália. Opôs-se ao chamado verismo, estilo que se popularizou por volta de 1880. Na sua maioria, as suas obras já não fazem parte do reportório atual dos teatros de ópera, preteridas pelas de Massenet e Puccini, de cujas obras a sua música mais se aproxima, bem como pelas de Amilcare Ponchielli, cuja influência também se pode sentir no trabalho de Catalani. Apesar de tudo, La Wally continua a ser apresentada ocasionalmente.
Catalani estudou no Conservatório de Milão com Antonio Bazzini (1818–1887), que também ensinou Puccini, e que acabaria por ser diretor do Conservatório. Catalani sucumbiu à tuberculose em 1893 e foi enterrado no Cimitero Monumentale, em Milão, onde Ponchielli e o maestro Arturo Toscanini, que foi um vigoroso defensor da música de Catalani, também repousam.
Gounod era filho de um pintor e uma pianista. Muito jovem, entrou para o Conservatório de Paris, onde foi aluno de Jacques Fromental Halévy e Lesueur. Em 1839, compôs uma cantata (Ferdinand) e ganhou o Prix de Rome, um prémio famoso para jovens compositores, que dava direito a uma bolsa de estudos na Itália. Naquele país, ele entrou em contacto com a música polifónica do século XVI,
que o fascinou. Tomado por ideias místicas (que nunca o abandonaram
completamente), ele pensou em entrar para o sacerdócio, e começou a
compor música religiosa. Terminados os seus estudos em Itália, ele
regressou a França, mas não sem antes passar por Viena,
e assumiu o cargo de organista na Igreja das Missões Estrangeiras, em
Paris, que ocupou durante três anos. Nessa época, ficou a conhecer
duas mulheres que tiveram grande influência na sua vida: uma foi a
cantora Pauline Viardot, que o introduziu no mundo da ópera, e a outra
foi Fanny Hensel, que apresentou a Gounod o seu irmão, o célebre
compositor Felix Mendelssohn. Através de Mendelssohn, Gounod entrou em contacto com a música de Bach, então pouco conhecida.
A primeira ópera de Gounod, Sapho, estreou em 1851. Várias óperas se seguiram, mas as mais importantes são Fausto (1859), Mireille (1864), Roméo et Juliette (1867) - todas as três estão entre as mais populares do repertório de ópera francês.
Ao rebentar a Guerra Franco-Prussiana (1870), Gounod refugiou-se na Inglaterra, onde permaneceu até 1875. Lá, ele teve uma amante inglesa, Georgina Weldon, e a sua música teve grande sucesso na Inglaterra vitoriana.
Nos últimos anos de vida, Gounod só compôs música religiosa.
Carl Nicolai teve as suas primeiras lições de música com seu pai, o
maestro Carl Ernst Daniel Nicolai, até aos 17 anos. Após ter sido
ensinado dentro de sua casa, foi para Berlim para continuar os seus
estudos.
Concluiu com êxito os estudos no Institut für Königluchen, sendo
supervisionado por Carl Friedrich Zelter e Bernhard Klein entre 1827 e
1830. Após isso foi nomeado Organista na Capela Prussiana em Roma.
Em 1837 tornou-se maestro na Capela Corandin Kreutzer Kärntnertortheater em Viena.
No ano seguinte ele regressou para Roma e começou a compor ópera. Em
1841 Nicolai voltou para Viena, e começou uma série de Concertos
Filarmónicos, fundando, mais tarde, a Filarmónica de Viena.
O sucesso de uma Missa dedicada ao Rei da Prússia, Frederico Guilherme IV, escrita em 1843 e uma abertura, Eine feste Burg,
pelos 200 anos da Universidade de Königsberg fizeram-no ir,
definitivamente, para Berlim onde se tornou diretor do coro da catedral e
mestre da capela da Royal Opera House, em 1847.
Carl Nicolais compôs, além de óperas, numerosas obras sacras para coral e lieders. Entre as suas obras, destaca-se a sua obra prima Die Lustigen Weiber von Windsor, (em português: O Feliz Divórcio de Windsor), com um libretto composto pelo dramaturgo alemão Salomon Hermann Mosenthal, baseado na obra The Merry Wives of Windsor (As Alegres Comadres de Windsor) de William Shakespeare e representada pela primeira vez no dia 9 de março de 1849 em Berlim.
Carl Nicolai faleceu, oito semanas após a estreia da sua obra mais aclamada, por causa de um acidente vascular cerebral.
Filho de um rico fabricante de papel, não pensava em seguir a carreira
artística e muito menos em ganhar dinheiro com ela. Recusou-se a
gerir a herança do pai e dedicou-se a compor para violino, passando a responsabilidade da fábrica para os seus dois irmãos mais novos.
(...)
Albinoni foi um dos primeiros compositores a escrever concertos para violino a solo. A sua música instrumental atraiu a atenção de Johann Sebastian Bach, que escreveu pelo menos duas fugas sobre temas de Albinoni (Fuga sobre um tema de Albinoni em lá, BWV950, Fuga sobre um tema de Albinoni em si menor, BWV951) e constantemente usava os seus baixos como exercícios de harmonia para os seus pupilos.
Grande parte do trabalho de Albinoni foi perdido na Segunda Guerra Mundial, com a destruição da Biblioteca Estadual da Saxónia, durante o bombardeamento de Dresden, em fevereiro de 1945. Por isso, pouco se sabe sobre seu trabalho a partir de meados da década de 1720.
Quanto ao famoso "Adágio de Albinoni" (Adágio em sol menor para violino, cordas e órgão, T. Mi 26), que tornou Albinoni conhecido do grande público, aparentemente não foi escrito por ele. Trata-se de uma "reconstrução" de 1945, feita por Remo Giazotto, musicólogo e autor de uma biografia do compositor. Pouco depois do final da II Guerra Mundial, Giazotto alegou ter recebido da Biblioteca Estadual da Saxónia, em Dresden, um fragmento manuscrito, que fora encontrado entre as ruínas do prédio, e que, segundo o musicólogo, seria parte do movimento adagio de uma sonata da chiesa (possivelmente a Op.4), composta por Albinoni por volta de 1708. Giazotto, que afirmava ter reconstituído a obra, registou-a posteriormente em seu nome, para efeito de direitos de autor, publicando-a em 1958. Porém, ele nunca publicou o tal fragmento de Albinoni. A composição integra a banda sonora do premiado filme Gallipoli, de 1981, sobre a campanha de mesmo nome, empreendida na Turquia, durante a I Guerra Mundial.
Nascido numa família pobre, sofreu de uma enfermidade que o obrigou a
usar muletas toda a vida. Estudou no Conservatório de Paris, ao mesmo
tempo que Georges Bizet. Começa a compor operetas graças a um concurso organizado, em 1856, por Offenbach, onde divide o primeiro prémio com Bizet. Isso determinará a sua carreira, sendo o seu principal nicho de composições.
Obteve o seu grande sucesso em 1872 com La Fille de Madame Angot (A Filha da Senhora Angot) que é considerada, hoje em dia, como umas das melhoras obras que representam o reportório lírico.
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