O Curso de Geologia de 85/90 da Universidade de Coimbra escolheu o nome de Geopedrados quando participou na Queima das Fitas.
Ficou a designação, ficaram muitas pessoas com e sobre a capa intemporal deste nome, agora com oportunidade de partilhar as suas ideias, informações e materiais sobre Geologia, Paleontologia, Mineralogia, Vulcanologia/Sismologia, Ambiente, Energia, Biologia, Astronomia, Ensino, Fotografia, Humor, Música, Cultura, Coimbra e AAC, para fins de ensino e educação.
Tendo alcançado sucesso na juventude como um pintor de retratos, seus
últimos anos foram marcados por uma tragédia pessoal e dificuldades
financeiras. No entanto, suas gravuras e pinturas foram populares em
toda a sua vida e sua reputação como artista manteve-se elevada, e por
vinte anos ele ensinou quase todos os importantes pintores neerlandeses.
Os maiores triunfos criativos de Rembrandt são exemplificados
especialmente nos retratos de seus contemporâneos, autorretratos e ilustrações de cenas da Bíblia. Os seus autorretratos formam uma biografia singular e intimista em que o
artista pesquisou a si mesmo sem vaidade e com a máxima sinceridade.
Tanto na pintura como na gravura, ele expõe um conhecimento completo da iconografia
clássica, que ele moldou para se adequar às exigências da sua própria
experiência; assim, a representação de uma cena bíblica era baseada no
conhecimento de Rembrandt sobre o texto específico, na sua assimilação
da composição clássica, e em suas observações da população judaica de Amesterdão. Devido a sua empatia pela condição humana, ele foi chamado de "um dos grandes profetas da civilização".
Blow provavelmente nasceu em Collingham ou Newark-on-Trent, em Nottinghamshire. A sua data de nascimento é desconhecida, mas ele foi batizado no dia 23 de fevereiro de 1649 e é provável que ele tenha nascido um pouco antes desta data, mas não muito antes. Ele tornou-se um membro do coro na Chapel Royal, onde se distinguiu pela sua proficiência em música.
Ele compôs vários hinos ainda quando muito jovem, inclusive Lord, Thou host been our refuge, Lord, rebuke me not e o I will always give thanks, o último em colaboração com Pelham Humfrey e William Turner, que serviram para comemorar a vitória sobre os holandeses em 1665, ou, simplesmente, para comemorar a parceria amigável dos três compositores.
Em
setembro de 1673, Blow casou com Elizabeth Braddock. Eles tiveram
vários filhos e ela morreu durante um parto, dez anos depois.
Em 1678 John Blow já possuía um doutoramento em Música e, em 1685, era um dos músicos particulares do rei Jaime II. Entre 1680 e 1687, ele escreveu a sua única composição para o teatro que sobreviveu, uma mascarada para o entretenimento do rei, a óperaVenus and Adonis.
Blow morreu a 1 de outubro de 1708, na sua casa, em Broad Sanctuary, na Abadia de Westminster.
Exceto nas suas primeiras obras, Caravaggio pintou fundamentalmente
temas religiosos. No entanto, foram várias as vezes em que as suas
pinturas feriam suscetibilidades dos seus clientes. Nos seus quadros,
em vez de adotar nas suas pinturas belas figuras, etéreas e
delicadas, para representar acontecimentos e personagens da Bíblia, preferia escolher por entre o povo, modelos humanos tais como prostitutas, crianças de ruas e mendigos, que posavam como personagens para as suas obras.
Caravaggio procurou a realidade palpável e concreta da representação.
Utilizou como modelos figuras humanas, sem qualquer receio de
representar o feio, a deformidade em cenas provocadoras,
características essas que distinguem as suas obras. Tudo isso chocou os
seus contemporâneos, pela rudeza das suas pinturas. Dos efeitos que
Caravaggio dava aos quadros, originou-se o tenebrismo, em que os tons terrosos contrastam com os fortes pontos de luz.
Foi organizador da Semana de Poesia de Vanguarda, um importante evento realizado em 1963, e vencedor de diversos prémios – entre eles o Prémio Jabuti de Literatura, com O visto e o imaginado.
Vida
Affonso Ávila era filho de Lindolfo de Ávila e Silva e Liberalina de
Barros Ávila, viúvo da ensaísta e escritora Laís Correa de Araujo
(falecida em 2006). Também era pai do poeta Carlos Ávila, da historiadora Cristina Ávila e de Paulo, Myriam e Mônica.
Foi leitor assíduo durante a adolescência, costume que o acompanharia pelo resto da vida, como a leitura da Coleção Brasiliana e dos cadernos literários dos jornais do Rio e de São Paulo, e também o tornaria escritor.
Trabalhou como auxiliar de gabinete de Juscelino Kubitschek de Oliveira, então governador.
Em 2006, recebeu uma homenagem concedida pela Secretaria de Estado da Cultura de Minas Gerais com a publicação da Fortuna crítica de Affonso Ávila.
Em junho de 2010, foi homenageado pela Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG), a mais prestigiada universidade do estado, com a exposição exposição constructopoético – affonso80anosávila, realizada no Palácio das Artes,
formada por livros, cartas, documentos, acervo pessoal do poeta,
desenhos de outros artistas sobre a obra do escritor e pelo vídeo de
Eder Santos, baseado num poema de Affonso Ávila.
Após um mês internado no Hospital Felício Rocho, faleceu, aos 84
anos, por causa de uma paragem cardíaca, na sua casa, na Rua Cristina,
Bairro Santo Antônio, em Belo Horizonte.
Carreira
Foi, juntamente com Fábio Lucas, Rui Mourão, Laís Corrêa de Araújo,
Cyro Siqueira e outros jovens intelectuais, fundador da revista Vocação, que o levaria a ser nomeado assessor de gabinete de Juscelino Kubitschek.
A carreira de Affonso Ávila acumula trabalhos de levantamento e
conservação do património artístico e arquitetónico das cidades
históricas mineiras, sendo um dos marcos desse percurso a criação do Iepha.
Em 1956, passou a ser colunista do jornal O Estado de S.Paulo em assuntos sobre o estado de Minas Gerais.
Em 1957, funda a revista Tendência.
Em 1967, teve publicado o livro Resíduos seiscentistas em Minas que se tornaria um clássico nos estudos sobre a história de Minas Gerais.
Em 1969, foi lançado O poeta e a consciência crítica e Código de Minas & poesia anterior, dois livros que marcaram para sempre a sua trajetória.
Em 1969, foi diretor do Centro de Estudos Mineiros (CEM) da UFMG.
Entre 1969 e 1996, dirigiu a revista Barroco, publicada pelo CEM/UFMG, que se tornou uma leitura obrigatória sobre o assunto.
Foi autor de diversos livros, alguns deles premiados, editor de revistas e colaborador de diversas publicações, como da revista Tendência, da qual fez parte da direção, e da Fundação Gulbenkian, de Portugal.
gaia ciência sábio círculo em torno do nada do além do aquém de que é que de quem é quem lição de cor do ardor do amor signo perseguido em guia de dor manifesta confusa desvairada desvario ou alegria de trâmite curtido palavra de real gozo de conceituai léxico anverso controverso capturado mel da defensiva abelha em sua colmeia dispersivo pescar na convulsão da ideia
Filho de organista na catedral de Dijon, seguiu a carreira do pai, na
qual distinguiu-se desde cedo, trabalhando em várias catedrais. Não foi
apenas um dos compositores franceses mais importantes do século XVIII,
como também influenciou a teoria musical. O seu estilo de composição
lírica pôs fim ao reinado póstumo de Jean-Baptiste Lully, cujo modelo dominara a França por meio século.
Até 1722 Rameau compusera apenas poucas e curtas peças para teclado e obras sacras, mas a publicação de seu tratado sobre harmonia naquele ano marcou o começo de um período muito produtivo, conhecendo a fama. As suas Pièces de Clavecin
foram publicadas em 1724, seguidas por um novo livro de teoria, em
1726, e de obras para teclado e cantatas, em 1729. Somente aos cinquenta
anos ingressou no terreno da música cénica, compondo a sua primeira ópera, Hippolyte et Aricie,
um grande sucesso que lhe valeu a posição de principal operista francês
de seu tempo. Escreveu várias óperas em vários géneros, sempre
acolhidas com entusiasmo, e mesmo desencadeando grandes polémicas por
sua ousadia, inventividade e pelas novidades que introduziu. A sua música
caracteriza-se por um dinamismo que contrasta com o estilo mais estático de Lully.
Era também professor de cravo, bastante em moda na Paris de sua época. A técnica do dedilhado dos instrumentos de teclado deve muito a Rameau. Foi "Compositor da Câmara do Rei", sendo agraciado poucos meses antes de morrer com o título de Cavaleiro.
Seu funeral foi cercado de pompa, recebendo também homenagens em muitas
cidades como um compositor excecional que orgulhava a nação.
Sabe-se pouco da sua vida. Terá nascido em Alcáçovas ou em Lisboa, e sabe-se que foi aluno de Manuel Mendes em Évora. O seu primeiro trabalho terá sido o de mestre de capela da catedral de Évora; em 1594 era mestre de capela em Lisboa. Ensinou música no Colégio do Claustro da Sé em Lisboa, onde se manteve pelo menos até 1639. Mais tarde dirigiu na capital a capela do Seminário de São Bartolomeu. Assinava as suas obras como Eduardus Lupus.
Embora cronologicamente a sua vida se sobreponha à época do Barroco,
escreveu, tal como Manuel Cardoso, música essencialmente ao estilo e
técnica contrapontística da Renascença, como a da polifonia de Palestrina,
tal como se poderia esperar por ter vivido numa zona isolada das
inovações musicais de Itália e Alemanha. Publicou seis livros de música sacra, incluindo missas, responsórios, antífonas, magnificats e motetes.
A sua música é altamente atrativa, com força expressiva, tirando partido das características rítmicas e harmónicas do texto latino, em conformidade com as disposições do Concílio de Trento.
Encontram-se dispersos por diversas cidades (Coimbra, Évora, Vila
Viçosa, Valladolid, Sevilha, Munique, Londres e Viena) os exemplares de
praticamente tudo o que da sua obra foi editado em Antuérpia (Plantin, 1602-1639) e em Lisboa (Craesbeck, 1607).
Mulato, descendente de escravos, nasceu pobre, mas recebeu uma educação
sólida, tanto em música como em letras e humanidades. Optou pela
carreira na Igreja por devoção mas provavelmente também por
praticidade, sendo um meio de garantir um futuro decente, especialmente
para pessoas de sua condição social. As suas elevadas qualificações
artísticas e intelectuais revelaram-se cedo e, de certo modo, fizeram a
sociedade escravocrata da sua época atenuar as fortes restrições
de acesso a posições de prestígio que colocava contra os negros e
pardos como ele, mas não o livraram completamente dos infortúnios
gerados pelo preconceito.
Henry Purcell (Londres, 10 de setembro de 1659 – Londres, 21 de novembro de 1695) foi um compositorbritânico.
Apesar de uma vida relativamente breve, Henry Purcell permanece um
dos mais importantes compositores ingleses. Sua facilidade em compor
para todos os géneros e públicos, sua popularidade na corte durante os
reinados de três monarcas e a sua vasta produção de odes cortesãs,
música cénica, anthems' sacros, canções ecatches' seculares, música de câmara e voluntaries para órgão são uma prova clara do seu prodigioso talento.
A sua obra inclui uma parte importante da arte barroca e rococó (rocaille) nesta cidade, chegando a envolver alguns dos melhores e mais significativos edifícios do século XVIII
do Porto e arredores. Sobre Nicolau Nasoni subsiste ainda discussão
relativamente a que obras efetivamente projetou, havendo várias aqui
mencionadas cuja autoria suscita dúvidas a vários historiadores de arte.
Igreja dos Clérigos
Biografia
Devido
ao trabalho do seu avô, que era empregado na casa Davanzati, talvez
como administrador de bens, presume-se que Nasoni tivesse relações com
fidalgos do Porto, vários dos quais eram padrinhos de seus numerosos irmãos - sendo Nicolau o mais velho de nove.
Antes de se mudar para a cidade do Porto, Nasoni viveu em Siena, onde aprendeu pintura e artes decorativas, e provavelmente arquitectura. Teve como mestres o pintor Giuseppe Nicola Nasini, o arquitecto Franchim e Vicenzo Ferrati. Aos 21 anos, Nasoni era o responsável pelo cadafalso para a Catedral de Siena, por ocasião das cerimónias fúnebres de Fernando III de Médici.
O trabalho deve ter sido bastante apreciado, ou não teria chegado até à
atualidade a notícia da sua execução. Nasoni, para melhor se inserir
no meio artístico, ingressou numa academia de artes - a Accademia dei
Rozzi (Academia dos Rudes). Os colegas da academia deram-lhe a alcunha
de Piangollegio (chorão, lamuriento).
Em 1715 foi nomeado um novo arcebispo para Siena, uma figura importante, sobrinho do Papa Alexandre VII.
Os preparativos para a sua receção foram grandes e a Accademia dei
Rozzi escolheu Nasoni para a execução dos trabalhos artísticos. Alguns
anos mais tarde, por ocasião da eleição do novo grão-mestre da Ordem de Malta,
Nasoni trabalhou no "Carro de Marte" que desfilou no cortejo das
comemorações. E sempre que participou nestas celebrações, as suas obras
causaram sucesso, quer pela riqueza das decorações, quer pela técnica da
construção. Apesar de ser uma arte breve, não passou despercebida a
muitos - entre eles, encontrava-se o Conde Francisco Picolomini que
certamente o teria relatado a António Manuel de Vilhena, o homem que, passados dois anos, seria grão-mestre da Ordem de Malta.
Nasoni mudou-se de Siena para Roma e, mais tarde, para Malta, onde deu os primeiros passos em arquitetura. Foi nesta ilha que assinou e pintou um teto no palácio de Valeta, em 1724, obra dirigida ao português
D. António Manuel de Vilhena, grão-mestre da Ordem de Malta. O trabalho
terá sido muito apreciado, e o tempo que o artista permaneceu em Malta
serviu também para contactar com diversos fidalgos e importantes
personagens ligadas à Igreja Católica, entre eles Roque Távora e Noronha, irmão do então deão da Sé do Porto D. Jerónimo Távora e Noronha.
Foi certamente pela recomendação do seu irmão que o deão da Sé terá
convidado Nicolau Nasoni a deixar a ilha de Malta e partir rumo a uma
cidade que, então, se encontrava em plena revolução artística.
Não é conhecida a data exata em que Nicolau Nasoni chegou à cidade do Porto. Sabe-se apenas que em Novembro de 1725 iniciou um trabalho de pinturas na Sé do Porto. Na época, a Sé — um edifício de matriz românica — encontrava-se em profundas remodelações e foi um dos primeiros edifícios da cidade a sofrer diversas adaptações do estilo barroco. Segundo um documento redigido entre 1717 e 1741 do Cabido da Sé, em que alude às grandes obras que mandou executar, encontra-se a seguinte nota:
«Para
se fazerem logo com perfeição e acerto todas as obras, e se evitar o
perigo de se desmancharem e fazerem 2ª vez por falta de preverem os
erros, vieram não só de Lisboa, mas de outros reynos, arquitectos e
mestres peritos nas artes a que erão respectivas as obras. Veyo Niculau
Nazoni arquitecto, e pintor florentino exercitado em Roma, donde foi
chamado a Malta para pintar o pallacio do Grão M(estre)…»
Os seus trabalhos na Sé duraram vários anos e não sendo o único
artista contratado para as obras de remodelação, tem o privilégio de
trabalhar com artistas portugueses famosos na época, entre os quais se
encontram os arquitetos António Pereira e Miguel Francisco da Silva.
Além dos trabalhos decorativos, Nasoni terá ficado encarregue de
projetar uma nova fachada norte para a Sé, a galilé, em estilo barroco no ano de 1736 - a primeira obra de arquitetura conhecida do artista - e uma pequena fonte adossada à Casa do Despacho da Sé, o Chafariz de São Miguel.
A 31 de Julho de 1729 casou-se nesta cidade com uma fidalganapolitana, D. Isabel Castriotto Riccardi, que viria a falecer um ano mais tarde (1730), muito provavelmente na sequência de complicações no parto do seu único filho, de nome José, nascido alguns dias antes, a 8 de Junho.
O padrinho de José, um fidalgo portuense, empregou Nasoni na obra da
casa e jardim da Quinta da Prelada. Sob influência deste mesmo fidalgo,
em 1731 foi-lhe pedido um projeto para a Igreja dos Clérigos, que o ocupou durante mais de 30 anos, embora o tenha feito gratuitamente, e o imortalizou.
Também em 1731
Nicolau Nasoni voltou a casar-se, desta vez com uma portuguesa, Antónia
Mascarenhas Malafaia, da qual teve cinco filhos, e de quem também
enviuvou mais tarde.
Francesco Albani or Albano (Bologna, 17 March or 17 August 1578 – Bologna, 4 October 1660) was an ItalianBaroquepainter
who was active in Bologna (1591–1600), Rome (1600–1609), Bologna
(1609), Viterbo (1609–1610), Bologna (1610), Rome (1610–1617), Bologna
(1618–1660), Mantova (1621–1622), Roma (1623–1625) and Florence (1633).
Diego Rodrigues da Silva y Velázquez (Sevilha, 6 de junho de 1599 - Madrid, 6 de agosto de 1660) foi um pintor espanhol e principal artista da corte do Rei Filipe IV de Espanha. Era um artista individualista do período barroco contemporâneo, importante como um retratista.
Além de inúmeras interpretações de cenas de significado histórico e
cultural, pintou inúmeros retratos da família real espanhola, outras
notáveis figuras europeias e plebeus, culminando na produção de sua
obra-prima, Las Meninas (1656).
Desde o primeiro quarto do século XIX, a obra de Velázquez foi um modelo para os pintores realistas e impressionistas, em especial Édouard Manet
que chegou a afirmar que Velázquez era o "pintor dos pintores". Desde
essa época, os artistas mais modernos, incluindo os espanhóis Pablo Picasso e Salvador Dalí, bem como o pintor anglo-irlandês Francis Bacon, que homenageou Velázquez recriando várias de suas obras mais famosas.
A grande maioria dos seus quadros estão no Museu do Prado.
Filho de um advogadonobre de ascendência portuguesa (os seus avós paternos eram do Porto,
João Rodrigues da Silva, Velázquez ficou com o prenome do avô paterno
que, em 1581, deixou Portugal (era originário do Porto) para
instalar-se com a sua esposa em Sevilha, onde Diego nasceu a 6 de junho
de 1599 e foi batizado. Eventualmente nasceu no dia anterior ao do seu
batismo, ou seja, 5 de junho de 1599. A sua mãe era de origem sevilhana e
ele era o mais velho de oito irmãos, pertencendo a sua família à
pequena fidalguia da cidade. Foi um artista tecnicamente formidável, e
na opinião de muitos críticos de arte, insuperável pintor de retratos.
Antonio Lucio Vivaldi (Veneza, 4 de março de 1678 - Viena, 28 de julho de 1741) foi um grande compositor e músicoitaliano do estilo barroco tardio. Tinha a alcunha de il prete rosso ("o padre ruivo") por ser um sacerdote católico de cabelosruivos.
Compôs 770 obras, entre as quais 477 concertos e 46 óperas. É
sobretudo reconhecido popularmente como o autor da série de concertos
para violino e orquestra Le quattro stagioni ("As Quatro Estações").
Nascido numa família de longa tradição musical, cedo mostrou possuir
talento e logo se tornou um músico completo. Estudante incansável,
adquiriu um vasto conhecimento da música europeia da sua época e das
gerações anteriores. Desempenhou vários cargos em cortes e igrejas
alemãs, mas as suas funções mais destacadas foram a de Kantor
da Igreja de São Tomás e Diretor Musical da cidade de Leipzig, onde
desenvolveu a parte final e mais importante da sua carreira. Absorvendo
inicialmente o grande reportório de música contrapontística
germânica como base de seu estilo, recebeu mais tarde a influência
italiana e francesa, através das quais sua obra se enriqueceu e
transformou, realizando uma síntese original de uma multiplicidade de
tendências. Praticou quase todos os géneros musicais conhecidos em seu
tempo, com a notável exceção da ópera, embora as suas cantatas mais maduras revelem bastante influência deste género artístico teatral que foi uma das formas musicais mais populares do período Barroco.
A sua habilidade no órgão e cravo foi amplamente reconhecida enquanto viveu e tornou-se lendária, sendo considerado o maior virtuoso
da sua geração e um especialista na construção de órgãos. Também
tinha grandes qualidades como maestro, cantor, professor e violinista,
mas como compositor o seu mérito só recebeu aprovação limitada e
nunca foi exatamente popular, ainda que vários críticos que o
conheceram o louvassem como grande músico. A maior parte da sua música
caiu no esquecimento após a sua morte, mas a sua recuperação
iniciou-se no século XIX e, desde então, o seu prestígio não cessou de
crescer. Numa visão contemporânea Bach é tido como o maior nome da música barroca,
e muitos o vêem como o maior compositor de todos os tempos, deixando
muitas obras que constituem a consumação de seu género. Entre as suas
peças mais conhecidas e importantes estão os Concertos de Brandenburgo, o Cravo Bem-Temperado, as Sonatas e Partitas para violino solo, a Missa em Si Menor, a Tocata e Fuga em Ré Menor, a Paixão segundo São Mateus, a Oferenda Musical, a Arte da Fuga e várias das suas cantatas.
Filho do também músico e compositor Alessandro Scarlatti,
as suas maiores contribuições para a música foram as suas sonatas para
teclado num único movimento, em que empreendeu abordagens harmónicas
bastante inovadoras, apesar de ter composto também obras para orquestra
e voz. Embora tenha vivido no período que corresponde ao auge da música barroca europeia, suas composições, mais leves e homofónicas, têm estilo mais próximo daquele do início do período clássico.
Domenico Scarlatti nasceu no mesmo ano em que nasceram dois outros grandes mestres do barroco, Johann Sebastian Bach e Georg Friedrich Händel. Foi o sexto de dez filhos e o irmão mais novo de Pietro Filippo Scarlatti,
também músico. O mais provável é que tenha recebido as primeiras
lições de música com seu pai. Outros compositores que também podem ter
sido seus professores foram: Gaetano Greco, Francesco Gasparini e Bernardo Pasquini, que parecem ter influenciado seu estilo musical.
Scarlatti se tornou compositor e organista na capela real de Nápoles em 1701. Em 1704, ele fez uma revisão à ópera Irene de Carlo Francesco Pollarolo para ser apresentada em Nápoles. Pouco depois seu pai o mandou para Veneza. Não existem registos a seu respeito nos próximos quatro anos. Em 1709, ele foi a Roma a serviço da rainha polaca, então no exílio, Marie Casimire, onde ele encontrou Thomas Roseingrave que liderou em Londres uma entusiástica recepção às sonatas do compositor. Já um cravista renomado, há uma história de que numa competição com Georg Friedrich Händel, no palácio do cardeal Ottoboni, em Roma, ele talvez tenha sido julgado superior a Händel naquele instrumento, embora inferior com relação ao órgão. Mais tarde, Scarlatti ficou conhecido pela veneração com que se referia às habilidades de Händel.
Também, enquanto em Roma, Scarlatti compôs várias óperas para o teatro particular da Rainha Casimire. Ele foi maestro di cappella em São Pedro, de 1715 a 1719 e, neste último ano, foi a Londres para dirigir sua ópera Narciso no King's Theatre.
Em 1720, ou 1721, Scarlatti foi a Lisboa, onde ensinou música à princesa portuguesa Maria Magdalena Bárbara (Maria Bárbara de Bragança).
Esteve novamente em Nápoles, em 1725. Durante uma visita a Roma, em
1728, casou-se com Maria Caterina Gentili. Em 1729 mudou-se para Sevilha onde permaneceu por quatro anos. Ali veio a conhecer o flamenco. Em 1733, foi a Madrid para assumir o cargo de maestro de música da princesa Maria Bárbara, que se casara com o Príncipe Herdeiro de Espanha. D. Maria Bárbara
tornou-se rainha da Espanha e ele permaneceu no país por cerca de
vinte e cinco anos, tendo, ali, sido pai de cinco filhos. Depois da
morte de sua esposa, em 1742, desposou uma espanhola, Anastasia Maxarti
Ximenes. Durante o período que permaneceu na Espanha, Scarlatti
compôs mais de quinhentas sonatas para teclado e é por esses trabalhos que ele hoje é lembrado.
Scarlatti foi amigo do cantor castratoFarinelli, um napolitano que estava sendo patrocinado pela casa real, em Madrid. O musicólogo Ralph Kirkpatrick
reconhece que a correspondência de Scarlatti com Farinelli fornece "a
informação mais direta sobre [o compositor] que foi deixada para os
nossos dias".
Domenico Scarlatti faleceu em Madrid, com 71 anos. A sua casa na Calle Leganitos é identificada com uma placa histórica e seus descendentes ainda vivem naquela cidade.
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