O Curso de Geologia de 85/90 da Universidade de Coimbra escolheu o nome de Geopedrados quando participou na Queima das Fitas.
Ficou a designação, ficaram muitas pessoas com e sobre a capa intemporal deste nome, agora com oportunidade de partilhar as suas ideias, informações e materiais sobre Geologia, Paleontologia, Mineralogia, Vulcanologia/Sismologia, Ambiente, Energia, Biologia, Astronomia, Ensino, Fotografia, Humor, Música, Cultura, Coimbra e AAC, para fins de ensino e educação.
Es considerado uno de los más importantes representantes de la escuela de música para teclado del siglo XVIII, corriente impulsada en España por Domenico Scarlatti.
Étienne-Maurice Falconet (Paris, 1 de dezembro de 1716 - 4 de janeiro de 1791) é referido como um dos principais escultoresrococós da França.
Falconet nasceu numa família pobre e primeiro foi aprendiz de carpinteiro, mas algumas de suas figuras de barro, com que ocupava as suas horas de lazer, atraíram a atenção do escultor Jean-Baptiste Lemoyne, que fez dele seu pupilo. Uma de suas primeiras esculturas de sucesso foi a de Milo de Crotona, que garantiu o seu ingresso na Academia de Belas Artes de Paris, em 1754.
Ele chamou a atenção do público nos Salões de 1755 e 1757 com os seus mármores L'Amour menaçant e Le Nymphe descendente au bain, que agora estão no Museu do Louvre. Em 1757 Falconet foi nomeado diretor do ateliê de escultura da Manufacture royale de porcelaine de Sèvres, onde ele trouxe nova vida ao fabrico de pequenas esculturas em porcelana que tinham sido uma especialidade na manufatura antecessora de Sèvres, em Vincennes.
A influência do pintor François Boucher
e do teatro e ballet são igualmente nítidas em suas formas doces,
elegantes e eróticas. Logo no início, Falconet criou um conjunto de mesa
em biscuit
branco, de meninos ilustrando as artes, destinado a complementar os
grandes serviços de jantar. A moda de pequenas esculturas para mesa de
jantar espalhou-se pela maior parte das fábricas de porcelana da Europa.
Ele permaneceu nesse lugar em Sèvres até que foi convidado para a Rússia por Catarina, a Grande, em setembro de 1766. Em São Petersburgo executou uma estátua colossal de Pedro, o Grande, em bronze, conhecida como o Cavaleiro de Bronze, juntamente com a sua aluna e enteada de Anne-Marie Collot.
Em 1788 voltou a Paris e tornou-se diretor da Academia. Muitas das
obras religiosas de Falconet, encomendadas por igrejas, foram vergonhosamente destruídas durante a Revolução Francesa. Os seus trabalhos profanos tiveram melhor sorte.
Ele encontrou tempo para estudar grego e latim, e também escreveu várias brochuras sobre a arte. Denis Diderot confiou-lhe o capítulo sobre "Escultura" na Encyclopédie, publicado separadamente por Falconet em 1768 como Réflexions sur la sculpture. Três anos depois ele publicou Observations sur la statue de Marc-Aurèle,
que pode ser interpretado como o programa artístico para a sua estátua
de Pedro, o Grande. Os escritos reunidos sobre arte de Falconet, Oeuvres littéraires, veio à luz em seis volumes que foram publicados pela primeira vez em Lausanne, em 1781-1782.
Jean-Baptiste de Lully, nascido Giovanni Battista Lulli (Florença, 28 de novembro de 1632 – Paris, 22 de março de 1687), foi um compositor italiano naturalizado francês. Passou a maior parte da vida trabalhando na corte de Luís XIV. Compositor prolixo, o seu estilo foi largamente imitado na Europa. Casou-se com Madeleine Lambert, filha do compositor Michel Lambert. Considerado mestre do barroco francês, tornou-se súbdito francês em 1661.
Henry Purcell (Londres, 10 de setembro de 1659 – Londres, 21 de novembro de 1695) foi um compositorbritânico.
Apesar de uma vida relativamente breve, Henry Purcell permanece um dos
mais importantes compositores ingleses. A sua facilidade em compor
para todos os géneros e públicos, a sua popularidade na corte durante o
reinado de três monarcas e a sua vasta produção de odes cortesãs,
música cénica, anthems' sacros, canções e catches' seculares, música de câmara e voluntaries para órgão são uma prova clara de seu prodigioso talento.
Pouco se sabe com certeza sobre sua biografia, que permanece até hoje
envolta em cerrado véu de lenda e controvérsia, tornando muito árduo o
trabalho de pesquisa sobre ele e ao mesmo tempo transformando-o em uma
espécie de herói nacional. A principal fonte documental sobre o
Aleijadinho é uma nota biográfica escrita cerca de quarenta anos
depois da sua morte. A sua trajetória é reconstituída principalmente
através das obras que deixou, embora mesmo neste âmbito a sua contribuição
seja controversa, já que a atribuição da autoria da maior parte das
mais de quatrocentas criações, que hoje existem associadas ao seu nome,
foi feita sem qualquer comprovação documental, baseando-se apenas em
critérios de semelhança estilística com peças documentadas.
Christoph Willibald Gluck (Berching, 2 de julho de 1714 – Viena, 15 de novembro de 1787) foi um compositor musical alemão. Juntamente com o seu principal libretista, Ranieri de' Calzabigi
(1714–1795), Gluck foi responsável pela “segunda reforma da ópera”. O
impacto dessa reforma ecoou durante muito tempo na história da música.
Por conta disso, durante mais de um século a obra de Gluck representou
uma fronteira intransponível. Nenhuma ópera séria anterior à sua
reforma era representada de forma regular.
François Couperin (Paris, 10 de novembro de 1668 – Paris, 11 de setembro de 1733) foi um apreciado compositor, organista e cravista barrocofrancês. François Couperin era conhecido como Couperin le Grand (Couperin o Grande) para diferenciá-lo de outros membros da talentosa família Couperin.
Vermeer viveu toda a sua vida na sua terra natal, onde está sepultado, na Igreja Velha de Delft.
É o segundo pintor holandês mais famoso e importante do século XVII. Pouco se sabe da sua vida. Era filho de Reynier Jansz e Dingenum Baltens. Casou-se em 1653 com Catharina Bolenes
e teve 15 filhos. No mesmo ano juntou-se à guilda
de pintores de São Lucas. Mais tarde, foi escolhido para presidir a
guilda. Sabe-se que vivia com poucos rendimentos como comerciante de
arte, e não pela venda dos seus quadros. Por vezes até foi obrigado a
pagar com quadros dívidas nas lojas de comida locais. Morreu muito
pobre. A sua viúva teve de vender todos os quadros que ainda estavam na
sua posse ao conselho municipal, em troca de uma pequena pensão (uma
fonte diz que foi só um quadro: a última obra de Vermeer, intitulada Clio). Depois
da sua morte, Vermeer foi esquecido. Muitas vezes, os seus quadros
foram vendidos com a assinatura de outro pintor, para lhe aumentar o
valor. Foi só muito recentemente que a grandeza de Vermeer foi
reconhecida pelo historiador de arte Théophile Thoré, que
fez uma declaração, atribuindo 76 pinturas a Vermeer, número esse que
foi em breve reduzido por outros estudiosos. No princípio do século XX havia muitos rumores de que ainda existiriam quadros de Vermeer para descobrir.
Filho do também músico e compositor Alessandro Scarlatti,
as suas maiores contribuições para a música foram as suas sonatas para
teclado num único movimento, em que empreendeu abordagens harmónicas
bastante inovadoras, apesar de ter composto também obras para orquestra
e voz. Embora tenha vivido no período que corresponde ao auge da música barroca europeia, suas composições, mais leves e homofónicas, têm estilo mais próximo daquele do início do período clássico.
Domenico Scarlatti nasceu no mesmo ano em que nasceram dois outros grandes mestres do barroco, Johann Sebastian Bach e Georg Friedrich Händel. Foi o sexto de dez filhos e o irmão mais novo de Pietro Filippo Scarlatti,
também músico. O mais provável é que tenha recebido as primeiras
lições de música com seu pai. Outros compositores que também podem ter
sido seus professores foram: Gaetano Greco, Francesco Gasparini e Bernardo Pasquini, que parecem ter influenciado seu estilo musical.
Scarlatti se tornou compositor e organista na capela real de Nápoles em 1701. Em 1704, ele fez uma revisão à ópera Irene de Carlo Francesco Pollarolo para ser apresentada em Nápoles. Pouco depois seu pai o mandou para Veneza. Não existem registos a seu respeito nos próximos quatro anos. Em 1709, ele foi a Roma a serviço da rainha polaca, então no exílio, Marie Casimire, onde ele encontrou Thomas Roseingrave que liderou em Londres uma entusiástica recepção às sonatas do compositor. Já um cravista renomado, há uma história de que numa competição com Georg Friedrich Händel, no palácio do cardeal Ottoboni, em Roma, ele talvez tenha sido julgado superior a Händel naquele instrumento, embora inferior com relação ao órgão. Mais tarde, Scarlatti ficou conhecido pela veneração com que se referia às habilidades de Händel.
Também, enquanto em Roma, Scarlatti compôs várias óperas para o teatro particular da Rainha Casimire. Ele foi maestro di cappella em São Pedro, de 1715 a 1719 e, neste último ano, foi a Londres para dirigir sua ópera Narciso no King's Theatre.
Em 1720, ou 1721, Scarlatti foi para Lisboa, onde ensinou música à princesa portuguesa Maria Magdalena Bárbara (Maria Bárbara de Bragança).
Esteve novamente em Nápoles, em 1725. Durante uma visita a Roma, em
1728, casou-se com Maria Caterina Gentili. Em 1729 mudou-se para Sevilha onde permaneceu por quatro anos. Ali veio a conhecer o flamenco. Em 1733, foi a Madrid para assumir o cargo de maestro de música da princesa Maria Bárbara, que se casara com o Príncipe Herdeiro de Espanha. D. Maria Bárbara
tornou-se rainha da Espanha e ele permaneceu no país por cerca de
vinte e cinco anos, tendo, ali, sido pai de cinco filhos. Depois da
morte de sua esposa, em 1742, desposou uma espanhola, Anastasia Maxarti
Ximenes. Durante o período que permaneceu na Espanha, Scarlatti
compôs mais de quinhentas sonatas para teclado e é por esses trabalhos que ele hoje é lembrado.
Scarlatti foi amigo do cantor castratiFarinelli, um napolitano que estava sendo patrocinado pela casa real, em Madrid. O musicólogo Ralph Kirkpatrick
reconhece que a correspondência de Scarlatti com Farinelli fornece "a
informação mais direta sobre [o compositor] que foi deixada para os
nossos dias".
Domenico Scarlatti faleceu em Madrid, com 71 anos. A sua casa na Calle Leganitos é identificada com uma placa histórica e seus descendentes ainda vivem naquela cidade.
Tendo alcançado sucesso na juventude como um pintor de retratos, seus
últimos anos foram marcados por uma tragédia pessoal e dificuldades
financeiras. No entanto, suas gravuras e pinturas foram populares em
toda a sua vida e sua reputação como artista manteve-se elevada, e por
vinte anos ele ensinou quase todos os importantes pintores neerlandeses.
Os maiores triunfos criativos de Rembrandt são exemplificados
especialmente nos retratos de seus contemporâneos, autorretratos e ilustrações de cenas da Bíblia. Os seus autorretratos formam uma biografia singular e intimista em que o
artista pesquisou a si mesmo sem vaidade e com a máxima sinceridade.
Tanto na pintura como na gravura, ele expõe um conhecimento completo da iconografia
clássica, que ele moldou para se adequar às exigências da sua própria
experiência; assim, a representação de uma cena bíblica era baseada no
conhecimento de Rembrandt sobre o texto específico, na sua assimilação
da composição clássica, e em suas observações da população judaica de Amesterdão. Devido a sua empatia pela condição humana, ele foi chamado de "um dos grandes profetas da civilização".
Exceto nas suas primeiras obras, Caravaggio pintou fundamentalmente
temas religiosos. No entanto, foram várias as vezes em que as suas
pinturas feriam suscetibilidades dos seus clientes. Nos seus quadros,
em vez de adotar nas suas pinturas belas figuras, etéreas e
delicadas, para representar acontecimentos e personagens da Bíblia, preferia escolher por entre o povo, modelos humanos tais como prostitutas, crianças de ruas e mendigos, que posavam como personagens para as suas obras.
Caravaggio procurou a realidade palpável e concreta da representação.
Utilizou como modelos figuras humanas, sem qualquer receio de
representar o feio, a deformidade em cenas provocadoras,
características essas que distinguem as suas obras. Tudo isso chocou os
seus contemporâneos, pela rudeza das suas pinturas. Dos efeitos que
Caravaggio dava aos quadros, originou-se o tenebrismo, em que os tons terrosos contrastam com os fortes pontos de luz.
Foi organizador da Semana de Poesia de Vanguarda, um importante evento realizado em 1963, e vencedor de diversos prémios – entre eles o Prémio Jabuti de Literatura, com O visto e o imaginado.
Vida
Affonso Ávila era filho de Lindolfo de Ávila e Silva e Liberalina de
Barros Ávila, viúvo da ensaísta e escritora Laís Correa de Araujo
(falecida em 2006). Também era pai do poeta Carlos Ávila, da historiadora Cristina Ávila e de Paulo, Myriam e Mônica.
Foi leitor assíduo durante a adolescência, costume que o acompanharia pelo resto da vida, como a leitura da Coleção Brasiliana e dos cadernos literários dos jornais do Rio e de São Paulo, e também o tornaria escritor.
Trabalhou como auxiliar de gabinete de Juscelino Kubitschek de Oliveira, então governador.
Em 2006, recebeu uma homenagem concedida pela Secretaria de Estado da Cultura de Minas Gerais com a publicação da Fortuna crítica de Affonso Ávila.
Em junho de 2010, foi homenageado pela Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG), a mais prestigiada universidade do estado, com a exposição exposição constructopoético – affonso80anosávila, realizada no Palácio das Artes,
formada por livros, cartas, documentos, acervo pessoal do poeta,
desenhos de outros artistas sobre a obra do escritor e pelo vídeo de
Eder Santos, baseado num poema de Affonso Ávila.
Após um mês internado no Hospital Felício Rocho, faleceu, aos 84
anos, por causa de uma paragem cardíaca, na sua casa, na Rua Cristina,
Bairro Santo Antônio, em Belo Horizonte.
Carreira
Foi, juntamente com Fábio Lucas, Rui Mourão, Laís Corrêa de Araújo,
Cyro Siqueira e outros jovens intelectuais, fundador da revista Vocação, que o levaria a ser nomeado assessor de gabinete de Juscelino Kubitschek.
A carreira de Affonso Ávila acumula trabalhos de levantamento e
conservação do património artístico e arquitetónico das cidades
históricas mineiras, sendo um dos marcos desse percurso a criação do Iepha.
Em 1956, passou a ser colunista do jornal O Estado de S.Paulo em assuntos sobre o estado de Minas Gerais.
Em 1957, funda a revista Tendência.
Em 1967, teve publicado o livro Resíduos seiscentistas em Minas que se tornaria um clássico nos estudos sobre a história de Minas Gerais.
Em 1969, foi lançado O poeta e a consciência crítica e Código de Minas & poesia anterior, dois livros que marcaram para sempre a sua trajetória.
Em 1969, foi diretor do Centro de Estudos Mineiros (CEM) da UFMG.
Entre 1969 e 1996, dirigiu a revista Barroco, publicada pelo CEM/UFMG, que se tornou uma leitura obrigatória sobre o assunto.
Foi autor de diversos livros, alguns deles premiados, editor de revistas e colaborador de diversas publicações, como da revista Tendência, da qual fez parte da direção, e da Fundação Gulbenkian, de Portugal.
gaia ciência sábio círculo em torno do nada do além do aquém de que é que de quem é quem lição de cor do ardor do amor signo perseguido em guia de dor manifesta confusa desvairada desvario ou alegria de trâmite curtido palavra de real gozo de conceituai léxico anverso controverso capturado mel da defensiva abelha em sua colmeia dispersivo pescar na convulsão da ideia
Filho de organista na catedral de Dijon, seguiu a carreira do pai, na
qual distinguiu-se desde cedo, trabalhando em várias catedrais. Não foi
apenas um dos compositores franceses mais importantes do século XVIII,
como também influenciou a teoria musical. O seu estilo de composição
lírica pôs fim ao reinado póstumo de Jean-Baptiste Lully, cujo modelo dominara a França por meio século.
Até 1722 Rameau compusera apenas poucas e curtas peças para teclado e obras sacras, mas a publicação de seu tratado sobre harmonia naquele ano marcou o começo de um período muito produtivo, conhecendo a fama. As suas Pièces de Clavecin
foram publicadas em 1724, seguidas por um novo livro de teoria, em
1726, e de obras para teclado e cantatas, em 1729. Somente aos cinquenta
anos ingressou no terreno da música cénica, compondo a sua primeira ópera, Hippolyte et Aricie,
um grande sucesso que lhe valeu a posição de principal operista francês
de seu tempo. Escreveu várias óperas em vários géneros, sempre
acolhidas com entusiasmo, e mesmo desencadeando grandes polémicas por
sua ousadia, inventividade e pelas novidades que introduziu. A sua música
caracteriza-se por um dinamismo que contrasta com o estilo mais estático de Lully.
Era também professor de cravo, bastante em moda na cidade de Paris da sua época. A técnica do dedilhado dos instrumentos de teclado deve muito a Rameau. Foi "Compositor da Câmara do Rei", sendo agraciado, poucos meses antes de morrer, com o título de Cavaleiro. O seu funeral foi cercado de pompa, recebendo também homenagens em muitas
cidades como um compositor excecional, que orgulhava a nação.
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