O Curso de Geologia de 85/90 da Universidade de Coimbra escolheu o nome de Geopedrados quando participou na Queima das Fitas.
Ficou a designação, ficaram muitas pessoas com e sobre a capa intemporal deste nome, agora com oportunidade de partilhar as suas ideias, informações e materiais sobre Geologia, Paleontologia, Mineralogia, Vulcanologia/Sismologia, Ambiente, Energia, Biologia, Astronomia, Ensino, Fotografia, Humor, Música, Cultura, Coimbra e AAC, para fins de ensino e educação.
Além de manter um grande estúdio em Antuérpia que produziu muitas
pinturas populares entre a nobreza e os colecionadores de toda a
Europa, Rubens foi um humanista de educação clássica, um colecionador e um diplomata, e foi elevado a cavaleiro por Filipe IV da Espanha e Carlos I de Inglaterra.
A Assunção da Virgem Maria
O Duque de Bragança, futuro Rei D. João IV (circa 1628)
Aos seis anos, Daquin tocou diante do rei Luís XVI e, aos oito, regeu a sua própria obra coral Beatus Vir.
Criança prodígio, prosseguiu uma brilhante carreira na sociedade
parisiense culta como improvisador no cravo e órgão. Algumas das suas
improvisações faziam parte de seu Nouveau livre de noels, mas as
poucas outras obras remanescentes apenas sugerem talento. Às vezes a
sua música mostra ecos de Couperin, mas em geral é bastante original,
como em Trois Cadences, em que usa em trinado triplo. A sua obra mais conhecida é a animada Le Coucou, do seu livro para cravo de 1735, Livre de pieces de clavecin. Em 1739 tornou-se o organista da Chapelle Royale. Em 1755 passou a ser o organista da catedral de Notre-Dame, em Paris.
José António Carlos de Seixas (Coimbra, 11 de junho de 1704 - Lisboa, 25 de agosto de 1742), compositor e organista português.
Filho de Francisco Vaz e de Marcelina Nunes, Carlos Seixas estudou com o
pai e cedo o substituiu, como organista da Sé de Coimbra, cargo de
grande responsabilidade, que exerceu durante dois anos. Aos 16 anos
partiu para Lisboa, altura em que a corte portuguesa era das mais
dispendiosas da Europa. Foi muito solicitado como professor de música de
famílias nobres da corte, nomeado organista da Sé Patriarcal e da
Capela Real (sendo o mestre desta Domenico Scarlatti, estabeleceram
certamente colaborações proveitosas). Carlos Seixas gozava da fama de
ser músico e professor excelente. Na capital impôs-se como organista,
cravista e compositor. Com o seu trabalho sustentou a mulher, que
desposara aos 28 anos, e a prole de cinco, dois filhos e três filhas, e
adquiriu algumas casas nas vizinhanças da Sé. Carlos Seixas morreu a 25
de agosto de 1742, de febre reumática, já sendo Mestre da Capela
Real.
Filho de um rico fabricante de papel, não pensava em seguir a carreira
artística e muito menos em ganhar dinheiro com ela. Recusou-se a
gerir a herança do pai e dedicou-se a compor para violino, passando a responsabilidade da fábrica para os seus dois irmãos mais novos.
(...)
Albinoni foi um dos primeiros compositores a escrever concertos para violino a solo. A sua música instrumental atraiu a atenção de Johann Sebastian Bach, que escreveu pelo menos duas fugas sobre temas de Albinoni (Fuga sobre um tema de Albinoni em lá, BWV950, Fuga sobre um tema de Albinoni em si menor, BWV951) e constantemente usava os seus baixos como exercícios de harmonia para os seus pupilos.
Grande parte do trabalho de Albinoni foi perdido na Segunda Guerra Mundial, com a destruição da Biblioteca Estadual da Saxónia, durante o bombardeamento de Dresden, em fevereiro de 1945. Por isso, pouco se sabe sobre seu trabalho a partir de meados da década de 1720.
Quanto ao famoso "Adágio de Albinoni" (Adágio em sol menor para violino, cordas e órgão, T. Mi 26), que tornou Albinoni conhecido do grande público, aparentemente não foi escrito por ele. Trata-se de uma "reconstrução" de 1945, feita por Remo Giazotto, musicólogo e autor de uma biografia do compositor. Pouco depois do final da II Guerra Mundial, Giazotto alegou ter recebido da Biblioteca Estadual da Saxónia, em Dresden, um fragmento manuscrito, que fora encontrado entre as ruínas do prédio, e que, segundo o musicólogo, seria parte do movimento adagio de uma sonata da chiesa (possivelmente a Op.4), composta por Albinoni por volta de 1708. Giazotto, que afirmava ter reconstituído a obra, registou-a posteriormente em seu nome, para efeito de direitos de autor, publicando-a em 1958. Porém, ele nunca publicou o tal fragmento de Albinoni. A composição integra a banda sonora do premiado filme Gallipoli, de 1981, sobre a campanha de mesmo nome, empreendida na Turquia, durante a I Guerra Mundial.
Diego Rodrigues da Silva y Velázquez (Sevilha, 6 de junho de 1599 - Madrid, 6 de agosto de 1660) foi um pintor espanhol e principal artista da corte do Rei Filipe IV de Espanha. Era um artista individualista do período barroco contemporâneo, importante como um retratista.
Além de inúmeras interpretações de cenas de significado histórico e
cultural, pintou inúmeros retratos da família real espanhola, outras
notáveis figuras europeias e plebeus, culminando na produção de sua
obra-prima, Las Meninas (1656).
Desde o primeiro quarto do século XIX, a obra de Velázquez foi um modelo para os pintores realistas e impressionistas, em especial Édouard Manet
que chegou a afirmar que Velázquez era o "pintor dos pintores". Desde
essa época, os artistas mais modernos, incluindo os espanhóis Pablo Picasso e Salvador Dalí, bem como o pintor anglo-irlandês Francis Bacon, que homenageou Velázquez recriando várias de suas obras mais famosas.
A grande maioria dos seus quadros estão no Museu do Prado.
Filho de um advogadonobre, de ascendência portuguesa (os seus avós paternos eram do Porto,
João Rodrigues da Silva, Velázquez ficou com o apelido do avô paterno
que, em 1581, deixou Portugal (era originário do Porto) para
instalar-se, com a sua esposa, em Sevilha, onde Diego nasceu a 6 de junho
de 1599 e foi batizado. Eventualmente nasceu no dia anterior ao do seu
batismo, ou seja, 5 de junho de 1599. A sua mãe era de origem sevilhana e
ele era o mais velho de oito irmãos, pertencendo a sua família à
pequena fidalguia da cidade. Foi um artista tecnicamente formidável, e
na opinião de muitos críticos de arte, insuperável pintor de retratos.
A sua obra inclui uma parte importante da arte barroca e rococó (rocaille) nesta cidade, chegando a envolver alguns dos melhores e mais significativos edifícios do século XVIII
do Porto e arredores. Sobre Nicolau Nasoni subsiste ainda discussão
relativamente a que obras efetivamente projetou, havendo várias cuja autoria suscita dúvidas a vários historiadores de arte.
Além
de manter um grande estúdio em Antuérpia que produziu muitas pinturas
populares entre a nobreza e os colecionadores por toda a Europa, Rubens
foi humanista de educação clássica, um colecionador e um diplomata, e foi elevado a cavaleiro por Filipe IV da Espanha (III de Portugal) e Carlos I de Inglaterra.
O Duque de Bragança, futuro D. João IV (circa 1628)
Decidido a tornar-se um pintor influente entra a corte inglesa vai, em 1759, para Bath, uma cidade preferida cada vez mais pelos cortesãos e altos burgueses. Prontamente tornou-se um pintor de preferência entre a nobreza e a emergente burguesia, passando até o seu rival de longa data Joshua Reynolds.
Gainsborough conheceu o sucesso devido aos seus retratos. Contudo, na sua obra também é frequente encontrar paisagens. Também é conhecido como um dos mais célebres fundadores da Real Academia, onde exibiu muitas obras de 1769 até 1772.
Já a morar em Londres, Thomas recebeu várias comendas da aristocracia,
que quase o «santificava». Nas suas pinturas, até o mais pobre
padeiro, se assemelhava a uma figura divina, perante a qual nos temos
que curvar. Gainsborough concedia, aos seus modelos, uma altivez e
sobriedade curiosas e particular carácter, geralmente forte.
Geralmente - e em consequência dos anos que passou em Bath - é na sua obra frequente encontrar o estilo de Anthony van Dyck, que era igualmente um pintor de excelência entre a aristocracia inglesa e flamenga. Talvez por isso, muitos dos patronos de Gainsborough o tenham escolhido como seu retratista.
A sua paleta de cores pouco variou ao longo da sua trajetória. Nela
estavam bem compactos os tons leves e mais brilhantes subjugados a
fluidas cores escuras, como o castanho. Entre as suas obras mais
importantes estão "Retrato de Mrs. Philip Thickness" e "O menino azul".
O túmulo de Gainsborough está no cemitério da igreja de Kew, no seu lado sul.
Ludovico foi aluno de Prospero Fontana, em Bolonha e viajou para Florença, Parma e Veneza, antes de voltar a sua cidade natal. Junto com seus primos, Annibale e Agostino Carracci, Ludovico, em 1585, foi fundador e diretor (caposindaco) da chamada Accademia degli Incamminati,
que era na verdade um estúdio com assistentes-aprendizes. O estúdio
revelou vários novos artistas e ajudou a desenvolver a chamada Escola da Bolonha no final do século XVI, que incluía Albani, Guercino, Sacchi, Reni, Lanfranco e Domenichino.
Os Carracci focavam os seus estudos na observação da natureza e nas poses
naturais. Ludovico especificamente ajudou no treino de Giacomo Cavedone. Eles revigoraram a arte italiana, especialmente a arte do afresco.
Georg Friedrich Händel (Halle an der Saale, 23 de fevereiro, ou 5 de março, no calendário gregoriano, de 1685 - Londres, 14 de abril de 1759) foi um célebre compositor germânico, naturalizado cidadão britânico em 1726. Desde cedo mostrou notável talento musical, e a despeito da oposição de seu pai, que queria que fosse advogado, conseguiu receber um treino qualificado na arte da música. A primeira parte de sua carreira foi passada em Hamburgo, como violinista e maestro da orquestra da ópera local. Depois dirigiu-se para a Itália,
onde conheceu a fama pela primeira vez, estreando várias obras com
grande sucesso e entrando em contacto com músicos importantes. Em
seguida foi indicado mestre de capela do Eleitor de Hanôver, mas pouco trabalhou para ele, e esteve na maior parte do tempo ausente, em Londres. O seu patrão tornou-se posteriormente o Rei da Grã-Bretanha, como Jorge I,
para quem continuou a compor. Fixou-se definitivamente em Londres e
ali desenvolveu a parte mais importante da sua carreira, como autor de
óperas, oratórios e música instrumental. Quando adquiriu cidadania britânica adotou o nome de George Frideric Handel.
Tinha grande facilidade para compor, como prova sua vasta produção, que
compreende mais de 600 obras, muitas delas de grandes proporções,
entre elas dezenas de óperas e oratórios em vários movimentos. A sua
fama em vida foi enorme, tanto como compositor quanto como
instrumentista, e mais de uma vez foi chamado de "divino" pelos seus
contemporâneos. A sua música tornou-se conhecida em muitas partes do
mundo, foi de especial importância para a formação da cultura musical
britânica moderna, e desde a metade do século XX tem sido recuperada
com crescente interesse. Hoje ele é considerado um dos grandes mestres
do barroco musical europeu.
Messias (Messiah) (HWV 56, 1741) é um oratório de Georg Friedrich Händel
com 51 movimentos divididos em 3 partes, durando entre cerca de duas
horas e quinze minutos e duas horas e trinta minutos. Deve notar-se,
desde já, que o tempo varia em função das diferentes interpretações
(como qualquer outra composição musical que se mede por compassos e não
por minutos).
Embora o 42.º movimento (o célebre "Aleluia") seja reconhecível por
qualquer pessoa (mesmo não sabendo a que obra pertence ou que compositor
a escreveu), a obra "O Messias" não é tão conhecida na sua totalidade
como merecia. A maior parte das vezes, os programas de concertos apenas
escolhem alguns movimentos (recitativos, árias e corais), perdendo
assim o sentido integral e unitário da obra. Se a "fama" e o grau de
popularidade fossem critérios válidos de apreciação estética,
considerar-se-ia a mais famosa criação de Händel.
Por razões de economia de tempo e em virtude das práticas artísticas da
segunda metade do séc. XIX e primeira do séc. XX, algumas edições e
interpretações de "O Messias" apresentam-se divididas apenas em 2 partes
e com inúmeras variantes. A oratória foi concebida como um tríptico,
sublinhando simbolicamente a importância do nº 3 na cultura teológica.
Da mesma forma, o número de músicos pensado pelo compositor para a sua
interpretação era muito menor do que habitualmente se assiste nos
grandes concertos (rondariam os 60 músicos, incluindo coro, orquestra e
solistas). Felizmente, existem já várias interpretações e gravações que
se regem pelo rigor e respeito historicista, baseando-se em estudos
multidisciplinares de forma a reproduzirem o mais fielmente possível as
práticas musicais da época.
(...)
Em 1741, Händel recebeu um convite do Lord Lieutenant da Irlanda para
ajudar a angariar dinheiro para três instituições de caridade de Dublin
através de apresentações musicais. Embora doente nessa época, Händel
estava determinado a compor um novo oratório sacro para a ocasião,
pedindo a Charles Jennens (libretista de Saul e Israel in Egypt)
um tema apropriado. Jennens respondeu com uma criteriosa recolha de
versículos e escrituras do Velho e Novo Testamentos arranjados num
"argumento" em três partes (como ele o descreveu). O resultado foi o
mais conhecido e amado oratório de Händel. A obra estreou-se em Dublin,
no período da Páscoa, em 13 de abril de 1742.
À época, o texto suscitou controvérsia com jornais ponderando
sobre sua natureza "blasfema". A obra acabada, contudo, teve outra
recetividade, sendo elogiada em Berlim e depois em Londres. Händel fez
várias revisões subsequentes, incluindo uma versão criada em 1754 para o
"Thomas Coram's Foudling Hospital" (fundação para a educação de
crianças abandonadas à qual Händel passa a dedicar mais tempo a partir
de 1749). Atualmente ainda é um obra muito apreciada e requisitada para
os eventos natalícios, embora frequentemente apenas a 1ª Parte e o
"Aleluia" (com que encerra a 2ª Parte) sejam interpretados, não
respeitando a integridade do oratório.
O costume de o público colocar-se de pé para ouvir o coro
"Aleluia" se origina da crença de que, na estreia de Londres, o rei
George II o fez, o que obrigaria a todos a permanecerem de pé. Não há
evidências convincentes de que o rei estivesse presente ou que ele tenha
assistido a qualquer performance subsequente de O Messias; a primeira
referência da prática de permanecer em pé aparece numa carta datada de
1756, três anos antes da morte de Handel.
A Paixão segundo MateusBWV 244 (em latim: Passio Domini nostri Jesu Christi secundum Evangelistam Matthaeum; em alemão: Matthäus-Passion), mais conhecida nos países católicos como Paixão segundo São Mateus, é um oratório de Johann Sebastian Bach, que representa o sofrimento e a morte de Cristo segundo o Evangelho de Mateus, com libreto de Picander
(Christian Friedrich Henrici). Com uma duração de mais de duas horas e
meia e, em algumas interpretações, mais de três horas, é a obra mais
extensa do compositor. Trata-se, sem dúvida alguma, de uma das obras
mais importantes de Bach e uma das obras-primas da música ocidental. Esta e a Paixão segundo São João
são as únicas Paixões autênticas do compositor conservadas na sua
totalidade. A Paixão segundo Mateus consta de duas grandes partes
constituídas de 68 números, em que se alternam coros (cinco), corais, recitativos, ariosos e árias.
(...)
A Paixão segundo Mateus foi escrita, provavelmente, em 1727.
Apenas duas das quatro (ou cinco) composições sobre a Paixão de Cristo,
que Bach escreveu, subsistiram integralmente; a outra é a Paixão segundo São João. A obra foi apresentada pela primeira vez na Sexta-feira da Paixão de 1727 (a 11 de abril de 1727) ou na Sexta-feira da Paixão de 1729 na Thomaskirche (Igreja de São Tomás) em Leipzig, onde Bach era o Kantor. Ele a reviu-a em 1736, apresentando-a novamente em março desse mesmo ano, incluindo dessa vez dois órgãos nos instrumentos.
A Paixão segundo Mateus não foi ouvida fora de Leipzig até 1829, quando Felix Mendelssohn apresentou uma versão abreviada em Berlim e foi vivamente aclamado. A redescoberta da Paixão segundo Mateus,
através de Mendelssohn, expôs a música de Bach - principalmente as suas
grandes obras - a uma maior atenção pública e académica, que persiste até
aos dias atuais.
Nascido numa família de longa tradição musical, cedo mostrou possuir
talento e logo tornou-se um músico completo. Estudante incansável,
adquiriu um vasto conhecimento da música europeia de sua época e das
gerações anteriores. Desempenhou vários cargos em cortes e igrejas
alemãs, mas suas funções mais destacadas foram a de Kantorda Igreja de São Tomás e Diretor Musical da cidade de Leipzig, onde
desenvolveu a parte final e mais importante de sua carreira. Absorvendo
inicialmente o grande repertório de música contrapontística
germânica como base de seu estilo, recebeu mais tarde a influência
italiana e francesa, através das quais sua obra se enriqueceu e
transformou, realizando uma síntese original de uma multiplicidade de
tendências. Praticou quase todos os géneros musicais conhecidos em seu
tempo, com a notável exceção da ópera, embora as suas cantatas maduras revelem bastante influência desta que foi uma das formas mais populares do período barroco.
A sua habilidade no órgão e cravo foi amplamente reconhecida enquanto viveu e tornou-se lendária, sendo considerado o maior virtuoso
da sua geração e um especialista na construção de órgãos. Também tinha
grandes qualidades como maestro, cantor, professor e violinista, mas
como compositor o seu mérito só recebeu aprovação limitada e nunca foi
exatamente popular, ainda que vários críticos que o conheceram o
louvassem como grande. A maior parte de sua música caiu no esquecimento
após a sua morte, mas a sua recuperação iniciou-se no século XIX e
desde então o seu prestígio não cessou de crescer. Na apreciação
contemporânea Bach é tido como o maior nome da música barroca,
e muitos veem-no como o maior compositor de todos os tempos, deixando
muitas obras que constituem a consumação de seu género. Entre as suas
peças mais conhecidas e importantes estão os Concertos de Brandenburgo, o Cravo Bem-Temperado, as Sonatas e Partitas para violino solo, a Missa em Si Menor, a Tocata e Fuga em Ré Menor, a Paixão segundo São Mateus, a Oferenda Musical, a Arte da Fuga e várias das suas cantatas.
Textos, músicas, fotos e outros materiais aqui publicados, parte sem prévia autorização, são propriedade de seus autores, que são, sempre que possível, identificados e creditados. O seu uso deve-se a razões culturais, científicas e didáticas, sem objetivo comercial ou usurpação de autoria. Pretendemos apenas expressar admiração pelos autores, contribuindo para a sua divulgação, respeitando inteiramente pedidos de retirar os seus materiais.
.png)
